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Una pequeña notita para animar a todo el mundo a comentar una foto. ¡Sí, una foto! Me he encontrado un fotolog muy interesante por ahí. Es de una chica de Uruguay que hace unas fotos realmente preciosas… Pero resulta que en la actualización de hoy nos propone que, ya que está algo cansada, nosotros le sugiramos un texto para poner en ella.

Esta es la foto en cuestión, y si pulsais en ella os llevará a su fotolog, justo en la entrada en la que nos hace esta proposición Yo ya tengo el mío ! A darle el coco y a comentar !

Para saber algo más de ella y sus fotos, además de echar un ojo a su fotolog podemos también encontrarla en Flickr.

Fotomontaje, por John Heartfield

En esta imagen puede verse una figura humana representada en un formato vertical que podría ser parte de un cartel o un anuncio publicitario ya que un marco blanco circunda a la imagen principal.

En la imagen tan solo está la presencia de una figura humana, colocada para una fotografía de retrato pero con la cara tapada o cubierta por papel de periódico. La figura lleva una camisa que podría hacer referencia a un personaje de finales del siglo XIX o principios del siglo XX. Por encima de ésta tiene puesta una especie de correa de cuero con hombreras que se une en el medio del pecho y se pierde hacia la parte trasera del cuerpo donde probablemente se halle atada. En la parte inferior derecha encontramos un bloque de texto en blanco y a la izquierda una línea con un nombre: John Heartfield. El bloque de texto podría tratarse de un texto explicativo o similar; la línea de la izquierda corresponde a la firma del autor de la imagen.

Por la parte de fuera, en el marco blanco, hay dos líneas en la base de la imagen principal que están justificadas de forma que coinciden con el ancho de la imagen principal. Estas líneas están escritas en color gris o negro, siguiendo la estética de la imagen que está representada en blanco y negro o escala de grises.

La figura, en posición y encuadre de retrato, está colocada mirando hacia la izquierda de la composición. Ocupa prácticamente todo el espacio, saliéndose incluso por ambos lados en la mitad inferior de la imagen y por la base de la imagen. En la parte superior apenas queda espacio entre la figura y el final de la composición. El fondo liso recuerda a un estudio fotográfico y acentúa el carácter de retrato que tiene la fotografía. Además, la postura del sujeto es tranquila, está quieto, con los brazos relajados pero el cuerpo erguido, como en posición de espera o de atención a quien le fotografía. Es también un rasgo característico de las fotografías de retratos.

La trama y la calidad de la imagen nos recuerda a la que tienen las imágenes en las publicaciones de prensa, sobre todo en periódicos, por lo que puede tratarse perfectamente de un anuncio o fotografía de un artículo en prensa escrita. El formato rectangular y los textos justificados, sobretodo el que hace función e pie de foto por fuera de la imagen principal, enfatizan este carácter de relación con los medios de comunicación escritos.

La imagen presenta cierta simetría según el eje vertical acentuada por el elemento que representa la cabeza del personaje ya que su forma oval y su posición centrada respecto a este eje nos sugieren este fenómeno. El resto del cuerpo, aunque no geométricamente simétrico, si transmite simetría debido a su forma en conjunto y su posición. El hecho de que toda la figura en sí esté centrada con respecto a la composición acentúa esta percepción. Se forma un acentuado fenómeno de jerarquía con la parte de los pliegos de periódico que debido a su valor considerablemente claro con respecto del resto de la composición, al contraste de textura y a su posición centrada llama la atención antes que cualquier otro elemento de la imagen. Así, además, nos marca un orden de lectura que comienza por la parte superior del eje vertical, nos lleva a la figura del personaje, después al bloque de texto y por último a las líneas exteriores que conforman lo que probablemente sea el título de la obra.

Esta imagen está hecha usando la técnica de la fotografía en blanco y negro, por una parte, el fotomontaje posteriormente y, por último, la reproducción mediante impresión. La figura humana y su entorno nos confirma lo primero; la notoria diferencia de texturas, valor y luces, además de los bordes recortados, nos confirma que es un fotomontaje y que ese elemento no pertenece a la fotografía original, al margen de que sea una figura irreal en su conjunto; las características anteriormente citadas sobre calidad y trama de la imagen confirman lo último.

La fecha de creación y publicación se sitúa en la primera mitad del siglo XX, cuando la fotografía empezó a tener un gran auge, se difundió y muchos artistas se aventuraron a experimentar e innovar con ella, tal y como hace Heartfield en este fotomontaje. La influencia de las vanguardias, que aparecieron con el inicio del siglo, potenció este ánimo por innovar, experimentar y dar nuevos enfoques a la fotografía.

Así, John Heartfield decide usar esta técnica, además de con ánimo de crítica, de una nueva forma, introduciendo elementos ya sacada la fotografía e incluso después su ampliación. Se convierte en el pionero de esta forma de composición y se crea con él el arte del fotomontaje.

Pero Heartfield llega a este estilo tras verse influenciado por el contexto histórico en el que vive. En esta imagen, además de un fotomontaje con un fin crítico y satírico, podemos ver influencias de varias vanguardias clásicas, que son las que aún mantienen en mayor grado la mímesis, aunque a nivel conceptual siga también tendencias de vanguardias que optan por la abstracción. La principal vanguardia que podemos destacar en esta imagen es el dadaísmo. El dadaísmo es un movimiento que comienza en la literatura y se extiende después al resto de artes, por esto tiene un carácter más espiritual e ideológico que formal. Así el dadaísmo lo que pretende es que en el arte no haya normas ni cánones, que no haya técnicas determinadas que deban o no deban usarse: abren el concepto de arte. Usan como medio para escandalizar y llamar la atención con sus obras la descontextualización de elementos, poniendo como algo artístico lo cotidiano o simplemente sacando un elemento cualquiera de su sitio original y poniéndolo en otro que, en teoría, no le corresponde.

Tomando esto como referencia, podemos ver en la imagen de Heartfield una primera descontextualización a nivel general; utiliza un género clásico, como es el retrato usado para plasmar a personajes célebres, de aspecto noble y elegante, para representar a un personaje que, además de no presentar rostro humano como es costumbre, lleva una indumentaria modesta y además un elemento como es el arnés de cuero que sugiere sumisión, presión o esclavitud. El hecho de que esté ladeado hacia la izquierda y no hacia la derecha como es costumbre también es una característica que llama la atención en la composición y rompe con la estética tradicional. La más acentuada descontextualización se da con el fotomontaje con el cual introduce los pliegos de periódico a modo de cabeza o máscara del personaje. Le da a un elemento con una determinada función otra nueva para la que no fue diseñado, además de que esta descontextualización no es solo a nivel conceptual si no que coloca realmente esos pliegos de periódico en la foto transgrediendo del todo la técnica tradicional.

Además del dadaísmo, el cubismo también está presenta en esta obra. Este fotomontaje está hecho mediante una técnica basada en una ya existente conocida como collage. La técnica del collage fue usada por primera vez por Pablo Picasso, principal representante del cubismo. Picasso transgredió las normas establecidas a nivel pictórico introduciendo trozos de la realidad en sus pinturas; es decir, tomaba pedazos de elementos reales, los pegaba en sus lienzos y los mezclaba con su pintura. La técnica de heartfield es ciertamente similar a esta, solo que el fotógrafo no pretendía dar textura a la imagen ni que se vieran trozos reales en tres dimensiones tal y como hacía Picasso, sino que él aplicaba esta técnica de forma que quedara como algo que también había sido fotografiado, aunque en realidad no hubiera sido así.

También el surrealismo tiene como una de sus características el mezclar elementos que en principio son inconexos pero que los artistas plasman juntos y en contextos totalmente distintos a los que tienen originalmente.

El uso del blanco y negro en esta imagen sirve como modo de potenciar el dramatismo que tiene la misma. Una figura de un hombre, en actitud sumisa y que cuya cara se ve cubierta por una masa de papel de prensa representa una escena de drama, de tensión e incluso quizá de sufrimiento. El blanco y negro en una imagen, además de las referencias hacia el paso que pueda tener, enfatiza esta escena dramática y transmite más el aspecto de degradación que pretende dar el personaje de la imagen.

Las tipografías que se ven usadas en los textos de los periódicos son góticas, usadas durante la Edad Media para escribir en los códices y retomadas más adelante por la Alemania de Hitler como letra oficial del Imperio alegando que ésta aportaba grandiosidad y nobleza. El idioma en que los textos están escritos es alemán por lo que ambas cosas están relacionadas. El mensaje que Heartfield manda con este fotomontaje va dirigido a esta dictadura creada por Adolf Hitler y a aquellos que la siguen por beneficio, sobretodo, económico. Las dos líneas de texto del inferior de la imagen citan: “Quienquiera que lea los periódicos de los burgueses se convierte en ciego y sordo: ¡fuera con esas vendas que anulan!”. Heartfield hace con esta imagen un sutil jeroglífico que nos lleva a entender una dura crítica sobre la burguesía y la Alemania de su época marcada por las ideas retrógradas, la opresión, la sumisión y la propaganda que manipula al pueblo.

En contraste con esta tipografía retrógrada que refleja la sociedad alemana del momento, los textos tanto al pie de foto como en el bloque colocado en la esquina inferior derecha de la imagen están escritos en tipografías de palo seco y, como se ha citado anteriormente, ambos están justificados para formar dos bloques perfectos aunque su interletrado se vea severamente modificado para conseguirlo.

En conclusión, la imagen no solo se presenta como una ruptura con el arte tal y como pretendían los vanguardistas sino que se usa como forma de crítica, como una forma de cambiar o afectar en el mundo con el arte, ideología que también forma parte del movimiento Dadá.

Also Sprach Zarathustra, por Van DeVelde

En esta imagen se puede ver dos páginas de un libro, probablemente las que hacen la función de contraportada. Constan de una ilustración basada en ornamentaciones que cubren y unen visualmente ambas. En cada una de las páginas, en medio de la ornamentación, se encierran dos textos respectivamente. El texto de la izquierda corresponde al título del libro y a su escritor: Also Sprach Zarathustra, de Friedrich Nietzsche. El de la derecha, probablemente a los datos sobre la impresión del libro.

La ilustración está impresa mediante cromolitografía sobre un soporte de papel como una aplicación editorial, es decir, como parte de un libro. Por lo tanto, es este un ejemplo de diseño editorial en el que se aprecia una unidad y un orden compositivo: la maquetación ha sido pensada.

Ambas páginas están cubiertas por un entramado de ornamentaciones cuyos bordes forman en conjunto un rectángulo o bloque rectangular. Este bloque guarda una distancia considerablemente pequeña en comparación con el tamaño total de la página.

La ornamentación de este bloque está compuesta tanto por formas geométricas como orgánicas, aunque la gran repetición de simetrías usadas hace que la composición, en conjunto, tenga una tendencia más marcada hacia la geometricidad.

La ilustración presenta dos tintas: una marrón y otra dorada. A través del uso de la técnica del contratipo o del reservado, los espacios en blanco realizan la función de línea, enmarcando, delimitando e incluso formando figuras.

Se distinguen varias partes dentro de la composición. En la parte más exterior de la misma, se enmarca mediante una seriación de formas geométricas la ilustración principal. En ésta hay dos partes diferenciadas: la mitad superior y la inferior.

En la mitad superior se encuentra una circunferencia dorada que encierra un elemento en forma de aspa que encierra una gran masa vacía de color que le da relleno. Ambos elementos son un foco de atención visual por su diferencia en cuanto a tamaño, color y forma con el resto.

En la mitad inferior la ornamentación se adapta y envuelve al espacio en blanco en el que va introducido el texto, formando así otro foco importante de atención.

Este esquema es usado en ambas páginas, aumentando la simetricidad de la ilustración.

Las formas que componen la ilustración no representan elemento alguno miméticamente; en ella no se distingue ningún objeto o figura reconocible. Sin embargo, las formas orgánicas de las ilustraciones principales, tienen alusiones bastante notables a formas de la naturaleza, en especial a plantas y vegetales. Estos elementos, aunque compuestos de una forma marcadamente simétrica, son totalmente ondulantes y orgánicos: curvas, contra curvas, formas aovadas y formas elípticas se unen y forman dibujos que recuerdan claramente a la disposición natural  de la flora. Se trata de una abstracción de las formas de la naturaleza, una representación simbólica y simplificada de ellas.

El uso y recurso, tanto gráfico como en el diseño de interiores y en la arquitectura, de la naturaleza y sus formas y elementos es una técnica predominante y común del Modernismo llamado Ondulante.

 

El Modernismo surge a finales del siglo XIX como oposición a la estética victoriana, además de manifestarse contra el materialismo, la industrialización y el racionalismo. Los modernistas defienden lo imaginativo, la evasión, lo onírico… Al igual que otro movimiento dentro del que se encuentran: el simbolismo. Van a expresar todas estas ideas tanto en el campo tridimensional como en el bidimensional, en el cual tendrán especial influencia dentro del diseño gráfico.

Esta imagen es un ejemplo de este movimiento modernista aplicado al campo bidimensional, el cual seguirá el estilo llamado Modernismo Ondulante. Esta variante se basa en el uso de curvas y formas orgánicas con las que se pretende seguir un camino que se aleje del ambiente de industrialización que se estaba llevando a cabo en la realidad de la época.

Al mismo tiempo, este movimiento criticaba la estética victoriana que se había seguido durante las décadas anteriores y la cual estaba representada por la ostentación, lo sobrecargado y el mal gusto o lo kitsch. Se busca simplificar, limpiar la imagen de aquello que está de más, de lo que sobra y sobrecarga. Este pensamiento se hereda del movimiento creado por Arts&Craft que pretendía acabar con la recargada estética victoriana y dio al diseño editorial un giro iniciando su proceso de simplificación y normalización. Arts&Craft comenzó a preocuparse por la composición de la página, por la armonización de las ilustraciones con el texto y también por el correcto tratamiento de éste.

Así en la imagen vemos que texto e ilustración han sido integrados el uno con el otro. El texto se integra dentro de la composición como si fuera un elemento más de la ilustración.

La tipografía usada para los textos  de esta ilustración es una importante evolución para el diseño editorial. Cada vez se simplifican más las formas y ya se puede apreciar una legibilidad considerable. Los trazos son limpios y firmes, aunque aún hay una modulación pronunciada. Los remates son reducidos, no entorpecen la lectura sino que ya contribuyen a ella, aunque siguen acompañando al cuerpo de los tipos de forma bastante ornamental. La modulación y remates pronunciados, por otro lado, ayudan a la integración del texto con la ilustración ya que aumentan el carácter ornamental de la tipografía. Sin embargo la simplificación con respecto a la que habían llegado durante Arts&Craft es notoria.

Las formas orgánicas y curvas llenan la composición pero éstas se presentan en superficies más o menos amplias de tinta que prescinden de los detalles minuciosos y del abuso en número de pequeños elementos agolpados tal y como llevaban a cabo estéticas como la victoriana y el estilo barroco, de las que se pretende huir. Las formas de la naturaleza se reducen en esta ilustración a insinuaciones simplificadas que escapan de dibujos abarrotados de líneas y detalles. Este modo de aplicar las líneas y los rellenos tiene grandes influencias de la estampa japonesa, la cual causó gran impacto a su llegada a occidente a través de las vías de comercio y que influenció tanto a este movimiento como a los inmediatos posteriores y siguientes.

Mirando la imagen de una forma más general, el uso de la simetría es otro modo eficaz de simplificación. La perfecta simetría, como es este caso, que consiste en reproducir de forma exacta y reflejada los elementos a un lado y a otro de un eje imaginario, permite la rápida comprensión del mensaje. Cuando ambas partes de una composición son iguales, la comprensión de una de ellas nos ahorra el comprender la otra. La ilustración al completo está compuesta de esta forma, en todos sus niveles: desde los dibujos más pequeños hasta la composición genérica de ambas páginas.

A pesar de todo, el Modernismo no cambia por completo la estética y sigue manteniendo muchos aspectos tradicionales que ya estaban implantados. Es por eso que podemos observar en la imagen una cierta alusión al formato medieval de composición, en la ornamentación, el formato en bloque y la enmarcación del texto, como ya hicieron Arts&Craft.

Siguiendo la línea positivista, naturalista y a favor de la vida no mecanizada, los iconos modernistas se basan, al igual que sus líneas, en formas de la naturaleza, así toman de ella aquello que les aporte connotaciones de vida, energía, vitalidad, dinamismo… En este caso, el gran círculo dorado y la forma que contiene en su interior son una referencia estos iconos. El círculo dorado es una alusión al sol, símbolo de la vida por antonomasia, por encima de todos los demás. La forma que contiene nos lleva a identificarla con una flor, símbolo de belleza, de pureza y de alegría, o con un trébol de cuatro hojas, símbolo absoluto de la buenaventura y el lado más optimista de las cosas.

Este estilo, el Modernismo, se extiende por los territorios más industrializados de Europa. Uno de los primeros sitios en manifestarse es en Bélgica y uno de sus más importantes diseñadores será Henry Van de Velde, el encargado y ejecutor de esta imagen. Como representante del diseño modernista en este país, defendía la contemporaneidad que debían tener los artistas, debían plasmar su momento histórico en sus obras. Así enfocaba su lucha contra los historicismos y estilos recargados de los que pretendía huir el Modernismo.

Mediante simplificación y geometrización pretendía alcanzar ese diseño que creía correcto y adaptado a la época en que vivía. Van de Velde no sólo pretendía ser contemporáneo sino que además fue uno de los primeros que comienza a defender la obra de autor aunque cree que ésta es compatible con la seriación que estaba surgiendo con la industria. Así pretendía hacer diseños personales que a su vez pudieran ser reproducidos de forma más sencilla.

Mediante esa simplificación llega a un comienzo de abstracción; los dibujos, tal y como vemos en las formas sutiles de la ilustración, comenzaban a ser más simbólicos y cada vez menos miméticos de lo que habían conseguido sus antecesores en Arts&Craft.

Aunque todavía muy distante, las ideas, planteamientos y resoluciones que aportó Van de Velde estaban más cerca que nunca de un diseño editorial como se entendería más adelante. La importancia que se le dio al diseño en formato bidimensional durante el Modernismo haría que la evolución de éste fuera la más importante hasta el momento.